Una storia di donne nei film di Quentin Tarantino
Collezione EverettPatricia Arquette e Christian Slater in vero romanticismo .
Il personaggio che supporta al meglio l'idea di Tarantino come un fantasista sudato appare in un film che ha scritto ma non diretto. vero romanticismo , diretto da Tony Scott, è arrivato un anno dopo il debutto alla regia di Tarantino nel 1992 Le Iene, un thriller di rapine in cui la cosa più vicina a un personaggio femminile è la quantità di tempo che i ladri trascorrono a parlare di Madonna. Il film elegantemente omicida e assolutamente divertente è un film che esaudisce un desiderio su un impiegato di un negozio di fumetti di Detroit di nome Clarence (Christian Slater) che incontra la sua donna perfetta, Alabama (Patricia Arquette), e si imbarca in un'avventura criminale disseminata di proiettili con lei.
L'Alabama, interpretato in un vortice favoloso di reggiseni push-up e stampe animalier, è una bambola russa di idee indulgenti. Quando si avvicina a Clarence a un triplo film di arti marziali, è una combinazione troppo bella per essere vera di interessata e apparentemente disinformata su tutte le sue cose preferite, felice di sentirlo parlare di tutto, da Sonny Chiba a Spider-Man ('Sei una ragazza secondo il mio cuore', osserva, senza rendersi conto che in realtà si sta esibendo come il sogno erotico di un geek). Il giorno dopo, dopo aver confessato di essere stata effettivamente assunta dal suo capo come regalo di compleanno, Alabama si rivela essere tutta un'altra specie di fantasia: una prostituta innamorata del suo cliente e che sta cercando di essere salvata in modo che lei possa avere qualcosa vero con lui. ('Penso che quello che hai fatto... sia stato così romantico!' singhiozza dopo che lui si è incaricato di uccidere il suo protettore.)
Nel finale originale di Tarantino, Clarence muore nella grande sparatoria che chiude il film. Non rende retroattivamente l'Alabama meno una creazione da sogno, ma quella conclusione deprimente farebbe almeno esplodere la bolla fantasy maschile di un geek lavoratore al dettaglio che è in grado di trasformarsi improvvisamente in un duro film d'azione. Scott ha optato invece per la sopravvivenza della coppia, trasformando quello che, nella sceneggiatura, era il ricordo addolorato dell'Alabama di un felice ricordo condiviso in un coro di lodi non ironici e tonali sul marchio per Clarence: 'Sei così cool. Sei fico. Sei fico.'
Mia Wallace — Pulp Fiction (1994)
Collezione Everett
Uma Thurman in Pulp Fiction .
In Tarantino ancora abbagliante sfondamento Pulp Fiction , Mia (Uma Thurman) — l'attrice fallita diventata moglie del capobanda Marsellus Wallace (Ving Rhames) — condivide con Alabama una vaga aura di stile retrò, pur essendo significativamente più interessante. Abbiamo sentito parlare di lei prima ancora di vederla, in una conversazione tra i sicari Vincent Vega (John Travolta) e Jules Winnfield (Samuel L. Jackson) che la prefigura come una moglie annoiata trofeo (o femme fatale) che cerca di arruolare i dipendenti di suo marito in pericolosi giochi di gelosia.
Ovviamente nessuno dei due sa davvero di cosa sta parlando. Quando fa un'apparizione, è a pezzi, come un rullo di tamburi visivo: prima la sua voce, poi le sue labbra che parlano in un microfono, poi i suoi piedi (sempre con il piedi !) - prima di vedere l'insieme inaspettato: una bellezza astuta, allampanata e con i capelli neri che gira in tondo intorno a Vincent quando ha il compito di intrattenerla per la sera.
Guardando Pulp Fiction ora, una delle cose che spicca è come si sentono tridimensionali anche i personaggi di passaggio, dal tassista morbosamente curioso Esmarelda Villalobos (Angela Jones) a una figura minore come Raquel (Julia Sweeney) di Monster Joe's Truck and Tow, che gestisce per imbattermi in qualcuno con una grande storia da raccontare in pochi secondi di tempo sullo schermo. Mia, che occupa una fetta più consistente del film, contiene un intero romanzo - una figura di energia irrequieta e imprevedibile da cui Vincent rimane plausibilmente estasiato nonostante sappia quanto sia off-limits. Se Mia stesse pensando di godersi qualcosa di più di un'alchimia inaspettata con lui, non lo scopriamo mai. Il segmento va in un'altra direzione che termina con Vincent che le pugnala un ago di adrenalina nel petto per fermare un'overdose accidentale.
Pulp Fiction è stato il primo dei tre lungometraggi che Thurman e Tarantino avrebbero realizzato insieme, una collaborazione creativa che si è conclusa con dolore fisico e tradimento personale (anche se i due sembrano aver sistemato le cose , e la figlia di Thurman, Maya Hawke, appare in C'era una volta ). In un Intervista 2018 a Maureen Dowd , in cui Thurman parlava di Weinstein e del Uccidi Bill incidente d'auto, ha detto: 'Personalmente, mi ci sono voluti 47 anni per smettere di chiamare le persone che sono cattive con te 'innamorate' di te'. La battuta viene in mente guardando la scena in cui Mia viene resuscitata, che è impostata come una sorta di alternativa comicamente nera alla penetrazione che era stata precedentemente nella mente di Vincent - come se la violenza e il sesso fossero spettacoli piacevoli in modo intercambiabile.
Quel momento potrebbe essere visto come la posa delle basi per quella che emergerebbe come la teoria della brutalità senza limiti di Tarantino, in cui tutti sono idonei a distribuirla e riceverla. È un approccio che ha portato i film di Tarantino in posti sorprendenti, a volte elettrizzanti, a volte incasinati, ma in realtà non è equo, perché non guardiamo tutta la violenza allo stesso modo; la violenza contro alcuni personaggi porta con sé molto più bagaglio della violenza contro altri.
Jackie Brown — Jackie Brown (1997)
Collezione Everett
Pam Grier in Jackie Brown .
Quando uscì nel 1997, Jackie Brown era guardato come un seguito sommesso e un possibile passo indietro da Pulp Fiction , il che è divertente dato che in questi giorni, 'in realtà, è il suo miglior film' è diventata un'opinione canonica da cool kid. Jackie Brown è stato salutato come resuscitatore di carriera per Pam Grier nello stesso modo in cui Pulp Fiction era per John Travolta. E, visto attraverso la lente di un veicolo di ritorno, è sicuramente un film più ricco e sfumato.
La cosa immensamente soddisfacente dell'adattamento di Tarantino di un romanzo di Elmore Leonard è che il film inquadra Grier e il suo personaggio Jackie allo stesso modo: come donne che sono state vergognosamente sottovalutate da tutti coloro che le circondano per troppo tempo. Jackie, un'assistente di volo che ha fatto commissioni per un trafficante d'armi di nome Ordell Robbie (Samuel L. Jackson), è una stella radiosa proprio nei retrobottega malconci della grande area di Los Angeles. Ma solo il garante della cauzione Max Cherry (Robert Forster) sembra notarlo – lui, almeno, è giustamente travolto dal primo momento in cui la vede.
Ovviamente la vediamo anche noi, perché la telecamera ci invita a riconoscere questa ovvia verità fin dal sequenza di apertura di Jackie che si reca al lavoro al suono di 'Across 110th Street' di Bobby Womack. Jackie non è una criminale devota: è una donna che ha ottenuto un affare grezzo anni fa e che da allora ha lavorato con quel deficit, ora 44 e guadagna $ 16.000 all'anno in una compagnia aerea di basso livello perché nessun vestito migliore la assumerà. ('Non hai proprio dato fuoco al mondo, vero, Jackie?', a un certo punto beffa un detective della polizia di Los Angeles.) Il film è abile nel mostrare come criminali e poliziotti diano per scontato che Jackie sia impotente, mettendola in una situazione senza possibilità di vittoria che lei - allo stesso tempo regale e diffidente - trasforma a proprio vantaggio.
Jackie Brown è l'unico adattamento di Tarantino, e forse lavorare con il materiale originale di qualcun altro è ciò che mantiene il film saldamente piantato a terra (la sua professione di eroina a parte), in un modo che non vedremmo più fino a quando C'era una volta . È anche la prova che Tarantino può, quando lo desidera, trattenersi; quando un personaggio femminile importante viene improvvisamente ucciso nel film, ad esempio, vediamo chi ha sparato ma non il risultato sanguinoso dei suoi colpi.
Non c'è glamour nella rappresentazione del crimine del film, che si svolge nei parcheggi degli aeroporti e nei punti ristoro dei centri commerciali. E nel suo ritratto intimo di Jackie - in particolare la sua cauta connessione, a cavallo tra una potenziale storia d'amore e una collaborazione con Max - c'è una profonda attenzione ai sentimenti di Jackie di riuscire a malapena a tenere la testa fuori dall'acqua mentre gli anni passano.
O-Ren Ishii — Kill Bill: vol. 1 (2003)
Collezione Everett
Lucy Liu in Kill Bill: vol. 1 .
Non mi sembra giusto per descrivere O-Ren Ishii, il boss della yakuza interpretato da Lucy Liu in Kill Bill: vol. 1 , come il cattivo. È un antieroe a sé stante, in possesso di un retroscena pieno di dolore e rabbia che viene consegnato in una dose concentrata e parzialmente animata. La vendetta alimenta la maggior parte della violenza accuratamente coreografata nel Uccidi Bill film, e mentre il perseguimento di esso è presentato come un diritto quasi sacro, è anche chiarito che non è un diritto esclusivamente detenuto dall'eroina del film. Dopo che la figlia di Vernita Green (Vivica A. Fox) ha assistito alla morte della madre per mano di Beatrix Kiddo (Thurman), Beatrix si rivolge alla giovane e riconosce solennemente il suo diritto alla ritorsione: 'Quando sarai grande, se senti ancora crudo su di esso, aspetterò.' O-Ren era una ragazzina quando la sua famiglia è stata uccisa e lei sicuramente mi sentivo ancora crudo al riguardo.
Mentre tutti i membri della Deadly Viper Assassination Squad ottengono qualche sfumatura emotiva nella sceneggiatura di Tarantino, è O-Ren che si posiziona come una controparte completamente disegnata a Beatrix - non solo un nome da spuntare dall'elenco, ma una visione di cosa può accadere dopo tutti i torti che hanno fatto deragliare la tua vita sono stati affrontati. Il Uccidi Bill Potrebbero essere due film separati, non importa cosa Tarantino ha decretato , ma costituiscono un esultante oggetto fetish, una vasta collezione di riferimenti cinematografici di arti marziali che cammina sul confine tra omaggio amorevole e appropriazione.
Ci vorrebbe tutto un altro saggio per approfondire il record di Tarantino con la razza (l'ultima battaglia è stata per la sua rappresentazione di Bruce Lee in C'era una volta ), ma non è mai stato facile individuarlo. Dettagli come la specificità del background di O-Ren come outsider etnicamente mista e la sua feroce difesa del suo diritto alla sua identità nazionale, forniscono un contrappeso alla Tokyo stilizzata del film. Quando, nella loro lotta insieme, O-Ren prende in giro Beatrix definendola una 'stupida ragazza caucasica [a cui] piace giocare con le spade dei samurai', è un sentimento affascinante e complicato da parte di un personaggio che ha dovuto lottare più duramente per appartenere al paese in cui è nata in più di questo straniero che aveva solo bisogno di salire su un aereo per essere dotato dell'acciaio Hattori Hanzo.
Beatrix Kiddo — Kill Bill: vol. 1 (2003)
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Uma Thurman in Kill Bill: vol. 1.
È un'esperienza diversa per vedere le parole 'Basato sul personaggio della Sposa creata da Q&U' nei titoli di coda di Kill Bill: vol. 1 ora rispetto a 16 anni fa, dato che Thurman ha detto che dopo l'incidente d'auto sul set, 'è passata dall'essere una collaboratrice creativa e una performer ad essere come uno strumento rotto'. Sullo schermo, Beatrix Kiddo — la sposa — fa sentirsi indelebilmente come una creazione congiunta, un personaggio il cui status di combattente quasi supereroico è abbinato a battiti emotivi sempre più complessi sulla maternità e la ricerca della felicità.
Nel Uccidi Bill s, Tarantino è riuscito a realizzare una storia d'azione guidata da una donna che si sente senza risparmiarsi indifferente al genere durante le sequenze di combattimento, ma che è profondamente presa in considerazione quando si tratta del personaggio. Questo risultato è ancora esaltante mentre i film passano da enormi set come la battaglia di Beatrix con O-Ren nella Casa delle Foglie Blu alla resa dei conti delle narrazioni personali su un tavolo con Bill (David Carradine). È difficile immaginare che l'equilibrio avrebbe potuto funzionare senza il contributo di Thurman. Certamente nei film che Tarantino ha fatto dopo Uccidi Bill , senza di lei, quella delicata tensione è svanita e al suo posto c'è una crescente nausea.
Detto questo, c'è un'odiosità in ciò che accade a Beatrix quando è in coma: la messa a punto fuori campo degli eventi di Uccidi Bill - è sempre bruciacchiato. Sottoporre il personaggio a ripetute violenze sessuali mentre è incosciente per anni non è solo inutile da un punto di vista narrativo, ma è anche angosciosamente irriverente sull'orrore palese di avere il proprio corpo trattato come una bambola del sesso. Nei film successivi, Tarantino ha iniziato a usare il contesto storico per esprimere più giustamente la violenza che ha sempre apprezzato, una scelta che in realtà mi sentivo più in malafede per me che la violenza che esiste per se stessa. Ciò a cui Tarantino sottopone Beatrix nel suo coma sembra un test per quella strategia.
Viene violentata per dare un ulteriore, giustificato entusiasmo alla sua eventuale rappresaglia grafica, ma solo dopo che il film si lecca le labbra su quello che le è successo (cerca solo di dimenticare quel barattolo sporco di vaselina). Tarantino dispiegherebbe un trucco simile nel suo allegramente brutto Prova di morte (2007). Quel film riesce, abbastanza abilmente, ad avere la sua torta e mangiarla anche presentando un gruppo di amiche alla moda, facendole uccidere orribilmente da un serial killer misogino di nome Stuntman Mike (Kurt Russell), e poi introducendo un altro gruppo di amiche alla moda per calpestarlo a morte.
Shosanna Dreyfus — Bastardi senza gloria (2009)
Collezione Everett
Melanie Laurent in Bastardi senza gloria .
Un giusto contesto storico per la violenza costituisce il quadro per entrambi i 2009 Bastardi senza gloria e del 2012 Django Unchained , che ha schierato le tendenze sadiche di Tarantino contro i nazisti e i proprietari di schiavi, rispettivamente. Anche i personaggi di questi film ingranditi tendono a essere scritti più grandi, perdendo molta della trama stravagante e dell'umanità che si potevano trovare nei suoi primi lavori.
Broomhilda di Kerry Washington in Django Unchained è una protagonista che ha un significato molto più importante come fattore motivante per il personaggio del titolo (Jamie Foxx) di quanto non abbia lo schermo reale. Mélanie Laurent se la cava meglio come Shosanna Dreyfus in Bastardi senza gloria , una giovane donna ebrea che assiste al massacro della sua famiglia per ordine del 'cacciatore di ebrei' Hans Landa (Christoph Waltz), e in seguito, come proprietaria di un cinema a Parigi, ottiene una possibilità di vendetta contro il Reich.
Bastardi senza gloria ha un vasto insieme di personaggi che spesso si sentono presentati solo per morire. Ma Shosanna è una linea emotivamente distinta, lì nella prima scena e nel grande finale, ed è l'unico personaggio che sente davvero di avere una vita invece di una linea di registro. Shosanna ha un tenero scambio con il suo amante Marcel (Jacky Ido); emette un sussulto di tremante sollievo dopo essere stata messa alle strette in una conversazione con Landa, che non riconosce la ragazza che è scappata da lui. La cosa più urgente è che deve fare i conti con l'attenzione invadente dell'eroe di guerra tedesco Fredrick Zoller (Daniel Brühl), che inconsapevolmente consente il suo piano alimentato dai nitrati.
In un lungometraggio pieno di critici cinematografici trasformati in spie e guerriglieri oltraggiosi che scolpiscono svastiche sulla fronte dei nazisti, le sequenze tra Shosanna e Zoller si distinguono per la vividezza con cui evocano un'esperienza comune della vita reale: com'è essere una donna che cerca di gestire le indesiderate incursioni romantiche di un uomo che sembra disposto a vendicarsi se rifiutato. Sia che trovi un peso tematico sincero nel modo in cui Tarantino usa il potere del cinema pulp per riscrivere il passato in questi film, o che rilevi qualcosa di più mercenario nel modo in cui sceglie di sfruttare le atrocità storiche, non si può negare che Shosanna ottenga un finale infernale Immagine. Ma è il modo in cui si avvicina a Zoller in anticipo che si sente più commovente: un lampo di simpatia che la condanna, un raro e fatale momento di dolcezza da parte di un personaggio dalla determinazione d'acciaio.
Daisy Domergue — gli otto odiosi (2015)
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Jennifer Jason Leigh in gli otto odiosi .
L'unico momento di morbidezza in gli otto odiosi è una messa a punto per una gag cruenta. Daisy Domergue, il membro della gang in fuga interpretato da Jennifer Jason Leigh, ha un tenero scambio di battute con suo fratello Jody (Channing Tatum), che è venuto in suo soccorso, proprio prima che gli sparassero alla testa e la sua materia cerebrale le schizzi addosso. Non c'è tempo per nessun tipo di dolcezza nel film del 2015, che descrive cosa succede quando un insieme di persone divise da razzismo, misoginia, risentimenti di classe, motivi di profitto, affiliazione criminale e guerra vengono bloccate insieme in un avamposto del Wyoming nel 1877. viene versato a favore del crogiolarsi nella bruttezza del periodo, e il film sposta le simpatie del pubblico tra personaggi che sono, come promette il titolo, tutti odiosi in modi diversi. Daisy, un sacco da boxe beffardo e ridacchiante che abbaia epiteti razziali al Marchese Warren (Samuel L. Jackson), non fa eccezione.
Ma lei è l'unica donna nella stanza, e quando subisce violenza viene inevitabilmente presentata come una battuta finale nociva: questi uomini stanno allegramente e ripetutamente schiaffeggiando una persona significativamente più piccola perché possono. John Ruth (Kurt Russell) è il cacciatore di taglie che porta Daisy, e il suo atto provoca alcune conversazioni rapidamente respinte sulle donne che vengono giustiziate ('Vedo che non hai emozioni contrastanti nel portare una donna alla corda'). Quelle battute sembrano come Tarantino che sostiene il proprio trattamento nei confronti di Daisy - che può stare al passo con gli uomini e può anche morire come loro.
Mentre gli otto odiosi non può essere accusato di avallare nessuno dei suoi ripugnanti personaggi, non si pone nemmeno un punto di vista al di fuori di loro. Il film termina con due uomini che superano la loro inimicizia abbastanza a lungo da impiccare questa donna che entrambi disprezzano. E qualunque punto il film possa sforzarsi di fare su un'America tribale, il piacere che i personaggi provano nel guardarla scalciare i piedi in quella scena non può davvero essere separato dal piacere che il film prova nello spettacolo.
Sharon Tate C'era una volta a Hollywood (2019)
Collezione Everett
Margot Robbie in C'era una volta a Hollywood .
Se gli otto odiosi rappresentava un vero nadir di cattiveria, C'era una volta è arrivato come un sollievo di basso profilo - un film malinconico e languido (fino ai suoi ultimi momenti) sull'amicizia tra due tipi del mondo dello spettacolo in via di estinzione che vengono lasciati indietro sia dalla controcultura che dalla New Wave americana. Il film non parla proprio degli omicidi di Manson del 1969 su Cielo Drive. Al contrario, corre parallela alla loro ascesa e in un momento chiave devia bruscamente in un atto di revisionismo storico. Creazioni immaginarie Rick Dalton (Leonardo DiCaprio), una star televisiva la cui carriera è agli sgoccioli, e Cliff Booth (Brad Pitt), il suo doppio acrobatico diventato autista/gofer/migliore amico, non salvano Sharon Tate e le sue compagne quanto sbagliano inconsapevolmente nell'intercettare i loro assassini. La resa dei conti, quando arriva, è una cacofonia di tic di Tarantino in una sequenza inquietante. È un atto di vendetta assaporato contro alcuni dei cattivi più brutali della storia, portato a noi dalla magia del cinema, che è anche allegramente ignaro dell'ottica di due giovani donne che si fanno sbattere la testa dagli uomini per ridere.
Eppure la rappresentazione del film di Sharon, interpretata da Margot Robbie, include una delle sequenze più belle che Tarantino abbia mai creato, in cui l'attrice emergente va a una proiezione pubblica del suo film, una commedia di spionaggio di Dean Martin. in cui ha un ruolo secondario e ascolta le reazioni del pubblico alle sue scene. quando C'era una volta inizia, osserva Sharon da un lontano - il vicino che vive sulla collina da Rick, sposato con Roman Polanski non ancora caduto in disgrazia (interpretato da Rafal Zawierucha in un aspetto quasi senza parole), e la giovane e bella vita del partito . Ma quando si avvicina a lei a teatro, dove si identifica spontaneamente con i dipendenti del teatro (combinazione scettici e gentili) e indossa gli occhiali per guardare il film, diventa uno sguardo commovente a qualcuno che si gode in privato del proprio lavoro. Robbie non è inserita digitalmente nel filmato che sta guardando: è la vera Tate sullo schermo.
C'era una volta è un'ode alla schifezza: agli spettacoli televisivi sfornati e guardati e poi scomparsi dalla vista, e ai film che nessuno ricorda. L'idea che possa esserci ancora una sorta di valore nel fare detrito culturale è quella che, sporadici scossoni a parte (Cliff, con echi di Robert Wagner , uccidere sua moglie o cosa?), fa C'era una volta una delle puntate più compassionevoli nella filmografia raramente compassionevole di Tarantino. La cosa più tenera che fa il film è allontanare Sharon dall'ombra del suo stesso omicidio, mostrandola come una donna normale, capace di essere sia magnetica che banale. Osa immaginare una vita per lei che potrebbe o meno aver portato a cose più grandi sullo schermo, ma che è continuata - imperfetta e viva e non più congelata nella tragedia per sempre.
Per un mentre adesso , Quentin Tarantino ha promesso di ritirarsi dal cinema dopo il suo decimo film, il che significa, se lo prendi in parola, che il suo prossimo film sarà anche l'ultimo. Come regista, ha goduto di quello che è diventato il privilegio molto raro di essere in grado di ottenere finanziamenti e nominare talenti insieme per i suoi progetti originali non economici - uno degli ultimi della vecchia guardia di registi di serie A che sono in grado di farlo . Il fatto che C'era una volta aperto con una carriera migliore 41 milioni di dollari al botteghino total lo scorso fine settimana sottolinea solo che la scelta di Tarantino di passare al territorio della TV e del teatro è personale, non imposta dall'industria in mutamento ('Penso solo di aver dato tutto quello che avevo da dare ai film', ha detto GQ Australia ).
L'industria è spostamento, però. L'era del geniale cineasta sta volgendo al termine da un po' di tempo, sostituita dal regno della proprietà intellettuale di proprietà aziendale, più preziosa per i dirigenti dello studio di qualsiasi regista o star. E Tarantino è stato in trattative con fare un Star Trek rata il prossimo - come dice lui, ' Pulp Fiction nello spazio', il che significa che il suo ultimo contributo cinematografico potrebbe essere il suo primo franchise. La volontà di Tarantino di lavorare entro i confini di un marchio amato, anche se è solo un'allodola, riecheggia quello che hanno molti altri registi aveva da fare se vogliono una possibilità di lavorare su qualcosa di grande oggi. C'è qualcosa di agrodolce nella scelta di Tarantino di andare avanti, in quella luce. Perché anche se non ti piace il suo lavoro, è improbabile che quando se ne andrà ci saranno molti altri a cui verrà data l'opportunità di riempire il suo posto in termini di realizzazione di lavori originali con lo stesso rigore e scala.
Quando il pubblico o la critica vogliono parlare di qualcosa come il trattamento delle donne da parte di Tarantino sullo schermo, l'etichetta di genio può essere usata come un pass per scartare il loro contributo.
L'ironia di C'era una volta , una lettera d'amore alle persone che macinano un lavoro non eccezionale, è che ci è voluto lo status eccezionale di Tarantino nel settore per far nascere un progetto così improbabile. Ed è qualcosa di cui piangere quando si tratta di come Hollywood si sia in gran parte disamorata dall'idea del regista visionario: la perdita di così tanto potenziale per un'arte più strana, più avventurosa, più personale o più fuori dagli schemi. , con i servizi di streaming che tentano solo a metà di recuperare il gioco.
Ma ci sono stati costi enormi anche per la vecchia concezione del regista come dio. L'industria ha dato a Tarantino poche ragioni per dubitare della supremazia della propria visione artistica, formando una bolla espansiva attorno al suo lavoro. Fa la differenza a chi viene concesso così tanto spazio libero e le cui preoccupazioni vengono ignorate a favore di elevare la visione di una persona sopra ogni altra cosa, anche quando, come Thurman, stanno cercando di parlare a nome della propria sicurezza. Quando il pubblico o la critica vogliono parlare di qualcosa come il trattamento delle donne da parte di Tarantino sullo schermo, l'etichetta di genio può essere usata come un pass per scartare il loro contributo.
A parte brevi momenti come quello di Cannes a maggio, Tarantino non sembra essere stato affatto messo in discussione nel suo approccio al cinema. E quando lo era, beh, non si è semplicemente rifiutato di dare una risposta; ha rifiutato il concetto della domanda. Quell'atteggiamento sprezzante - che coesiste con le donne vivide e memorabili che Tarantino ha scritto nelle sue sceneggiature nel corso degli anni - è emblematico della sua insistenza sul fatto che i suoi film possono prendere in prestito potere dalle preoccupazioni del mondo reale ma non devono nulla alle persone reali, specialmente alle donne reali , che li sperimentano. Immagina di avere quel tipo di certezza - immagina di credere di avere sempre ragione. ●
